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Exposiciones - CEART (Centro de Arte Tomás y Valiente)

El Centro de Arte Tomás y Valiente (CEART) inició su andadura el 5 de abril de 2005 con la voluntad de convertirse en un espacio de encuentro y referencia.

Desde su apertura, más de cuatrocientas exposiciones han dado cuenta de lo más notable de la producción artística contemporánea y sus salas han albergado y albergarán la obra de artistas de la talla de Miró, Calder, Isabel Muñoz, Palazuelo, Tàpies, Ouka Leele, Pierre Gonnord o Carmen Calvo entre otros.

Acuerdos con centros de arte y museos como el Museo Nacional de Arte Reina Sofía, Fundación La Caixa, Aena, MACUF, Kurtsverein de Stuttgard,  etc., han permitido un interesante flujo de energías que han posicionado al Centro de Arte en la primera línea del panorama de las Artes Visuales.

En este apartado pueden encontrarse todos los catálogos editados por el CEART que dan testimonio de su intensa y fructífera vida.

Para una mejor localización aún, estos fondos están identificados con el distintivo CEART.

Horario de las exposiciones:
De lunes a domingo de 17.00 a 21.00 horas.
Calle Leganés, 51.
Teléfono 91 492 11 20.












Resultado de la convocatoria de exposiciones CEART Tomás y Valiente 2018 - 2019. (pincha aquí para consultar listado)








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Carlos Franco
PINTAR SOBRETODO
Del 26 de Abril al 22 de Julio 

La pintura de Carlos Franco (Madrid, 1951) se caracteriza por una concepción multicultural de su identidad inconsciente y estilística en cuanto reinterpretación colorista y cargada de significados de motivos clásicos, de las fuentes mitológicas, de las imágenes subconscientes y la consideración de la pintura como órgano de los sentidos. Para él, los géneros y los llamados estilos son puntos de vista sobre la realidad. El artista también ha incorporado, a partir del 2000, métodos de impresión y tratamiento digital.

En esta exposición se abarcan los trabajos desde 1973 hasta la obra  más reciente. El artista nos muestra desde la investigación sobre los fondos significantes y los diversos materiales, al mismo tiempo que conserva su interés sobre los temas simbólicos y la exploración de las múltiples posibilidades expresivas contenidas en las técnicas de reproducción digital. La inquietud creativa de este gran autodidacta incansable, rompe las barreras de los géneros convencionales. Su experimentación en las técnicas se adentra por diferentes materiales y soportes desde la pintura muralista de la plaza mayor de Madrid a los dibujos más  intimistas.

Visitas guiadas todos los viernes, sábados y domingos a las 18:00 y 19:00 H.

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salaB Sala B


NURIA MORA. "WILD STYLE"
Del 15 de Marzo al 22 de Abril de 2018

Nuria Mora es una artista contemporánea perteneciente a la corriente del PostGraffiti y Street Art, siendo una de las precursoras de este último, aunque su obra sea difícil de encasillar bajo estos términos.

Trabaja con la geometría y formas y elementos orgánicos en el espacio público y su mobiliario de un modo constructivo y no invasivo. Su obra ha sido expuesta en galerías y museos internacionales, entre los que destacan Tate Modern de Londres, la Fundación Joan Miró en Barcelona, Le Pilori en Niort, Francia, ó la Fundación Pilar y Joan Miró en Mallorca, y el Museo de Arte Contemporáneo de Johannesburgo.
Es un guiño al "wild style" o estilo salvaje, término utilizado en el graffiti clásico con el que mi obra ha coexistido desde mis inicios como pintora de calle. Un jardín colorista en el que se quiebra así la angulosidad del muro liso y crea una naturaleza nueva de colores y texturas, de luces y perspectivas que explotan en la pared-lienzo y salen hacia fuera para envolver al espectador, presente en la obra desde el primer contacto con ella.



WALTER MARTIN & PALOMA MUÑOZ. "ESFERAS"
Del 26 de Abril al 3 de Junio

Walter Martin (nacido en Norfolk, Virginia, 1953) completó una licenciatura en bellas artes en Old Dominium University en Virginia y un MFA (Master) en Virginia Commonwealth University. Paloma Muñoz (nacida en Madrid, 1965) se educa por libre con cursos en el Círculo de Bellas Artes de Madrid con Antonio Saura entre otros artistas y en la Sommerakademie für Bildende Kunst en Salzburgo con Wolf Vostell entre otros artistas. Completa un taller de Computer Art y Diseño Gráfico con una Beca de la Comunidad de Madrid en 1992 en la Politécnica. Ahora cursa estudios de Filología Inglesa por la UNED. Forman un equipo colaborativo de arte multimedia y han sido socios profesionales y personales desde 1993. Su trabajo se encuentra en varias colecciones de museos, incluyendo el Museo Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, La Caixa en Barcelona, el Museo de Arte Contemporáneo Nerman en Overland Park, Kansas y el Museo de Arte Contemporáneo KIASMA en Helsinki. En 2001, completaron A Gathering, una instalación permanente para el MTA Arts for Transit, en la estación de Canal Street. En 2003, su trabajo escultórico se incluyó en MetroSpective en City Hall Park en Nueva York, patrocinado por Public Art Fund. Sus cajas de luz Travelers se encontraban en exhibición en Grand Central Terminal y también se instalaron en varias estaciones de Metro Rail en Los Ángeles. Sin embargo, Walter Martin y Paloma Muñoz son más conocidos por sus esculturas y fotografías de esferas de nieve y grandes conjuntos submarinos que contrastan con escenarios prístinos con escenas perturbadoras. Sus trabajos más recientes son la serie Travelers and Islands. En CEART presentan el comienzo de una nueva serie titulada Spheres. Han exhibido ampliamente en museos y galerías de todo Estados Unidos y Europa. En España están representados por la Galería Isabel Hurley en Málaga.
Esferas
En el Mago de Oz, la malvada bruja mira su bola de cristal y, a través de la bruma verde, ve a Dorothy en el camino de ladrillos amarillos. Con Oz, el destino de Dorothy justo delante, la bruja lanza un hechizo para detenerla. A través de la bola de cristal vemos aparecer un campo de amapolas... una visión seductora de flores rojas que atraen a Dorothy y sus acompañantes como el abrazo de bienvenida de la gran ciudad. Su belleza los seduce mientras el polvo de la adormidera los sumerge en un sueño paralizante, ahogándolos en un mar de opio.
La bola de la bruja es un objeto hermoso y misterioso por derecho propio. Y, con un espectador para activarlo, se convierte en algo mágico y poderoso. Pero la mayoría de las bolas que uno encuentra en el mundo real son decepcionantes. Caen en varias categorías de kitsch. Existe el tipo de souvenir barato que se encuentra en las tiendas de regalos para turistas o en las tiendas de artículos nuevos, humildes recuerdos, y luego están los bolas de nieve más caras y grandes. Producciones elaboradas de Disney con temas fantásticos que, a pesar de todos sus esfuerzos, son solo de mayor mal gusto. Pero a pesar de los terribles ejemplos en todas partes, el formato de la bola de nieve, la esfera y la interacción con el espectador, es intrínsecamente fascinante y misterioso. Al igual que los campos de amapola, el globo de nieve encanta al espectador en su espacio. Con su acogedor mundo de burbujas de nieve que cae, funciona como un lugar de descanso para la mente.
Inicialmente, fue una estrategia de arte suficiente para nosotros simplemente para subvertir estas expectativas. Creamos escenas fragmentos narrativos abiertos dentro de los globos que voltearon el cliché de fantasía / souvenirs de la tradicional bola de nieve en su cabeza. Tomamos el formato estándar del globo de nieve y trajimos escenas de abandono, pesadillas absurdas: distopías y dilemas existenciales mezclados con humor negro. Pero, en el transcurso de casi veinte años, esta estrategia inicial de subvertir un cliché cultural se transformó en algo más sostenible. Se desarrolló en una expresión refinada de nuestro mundo interno. Se ha convertido casi en un boceto diario: una forma de articular y destilar el desfile diario de emociones, miedos y absurdos que habitan en nuestro mundo de sueño y vigilia. La creación de una escena es, como el dibujo, un proceso de descubrimiento, una forma de excavar e iluminar y resolver lo oscuro y establecer nuevas conexiones entre las realidades subjetivas y empíricas.
Cada esfera representa un intento de encapsular algún aspecto del paisaje siempre cambiante que pasa por la ventana de nuestra conciencia, una mezcla inseparable de experiencia subjetiva y objetiva. Aunque las escenas a menudo están influenciadas por nuestro temor a la mortalidad y nuestra impotencia, siempre hay una buena risa.
Frente a las injusticias y lo desconocido, es el extremo absurdo de nuestra experiencia humana el fundamento mismo de la comedia. Puede ser difícil distinguir entre llorar y reír. Nos reímos de nosotros mismos al llorar. Nos lloramos a nosotros mismos riendo.
Aunque algunos de los globos de esta exposición tocan temas sociales más amplios, nunca se separan de nuestra experiencia personal. Estamos informando desde el campo de nuestras vidas bajo fuego.
Walter Martin enero de 2018 https://www.martin-munoz.net/


JOSÉ LEÓN
Del 7 de Junio al 22 de Julio

Nace en Carbajal de Fuentes, León, en 1958. Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, Madrid. Se considera autodidacta con influencias de los surrealistas.
Un trotamundos, ha sido becado por  Fulbright, Nueva York, Academia de Roma, Ministerio Asuntos Exteriores... Ha vivido Madrid, París, Benares (la India), Berlín, Beijing, Lobeckstrasse (Kreuzberg)..., se considera un artista independiente y libre.
Pintor figurativo con un lenguaje muy rico, retoma a Chagall y los surrealistas franceses, a Miró, Granell, Oscar Domínguez, Dalí y la pintora inspirada en la iconografía cristera de los cementerios mexicanos - "Leonora Carrington" - para, al aunarlo todo con influencias filosóficas y religiosas diversas, consumar un canto a la libertad intelectual, emocional y vital: el arte de José de León, como el lenguaje de los sueños, parece remitir a la locura aunque en verdad conduce a la verdadera libertad.



 

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salaC Sala C


Isabel Pueyo Lobera
Del 5 al 24 de Abril 
Isabel Pueyo, diplomada en profesorado de EGB con especialidad de matemáticas (UAM), Máster en Informática Educativa (UNED), Experta en Imagen y MMAA, ha trabajado impartiendo el área de Expresión Plástica y Visual con alumnos de Ed. Primaria y Primer Ciclo de ESO. Ha colaborado en la formación del profesorado y en el Departamento Pedagógico del Centro de Arte Reina Sofía, posee además varias publicaciones relacionadas con estos temas.
Paisajes en la memoria es una colección de cuadros pintados durante 2017 a veces del natural otras veces directamente de la memoria, utilizando principalmente acrílico, pastel y óleo sobre tela. Paisajes en la memoria es el resultado de ponerse delante del lienzo en blanco con la misma mirada del niño que busca en sus recuerdos aquello que le invitamos a pintar. El tema, paisaje, es una excusa para utilizar todos los colores y todos los medios. Pintar lo que se recuerda, pintar lo que se sabe de memoria por haberlo vivido, por haberlo disfrutado. Evocar los paisajes de nuestra vida, los campos secos en verano, blancos en invierno. Los verdes de primavera y los amarillos y ocres de otoño. Paisajes que vemos al cerrar los ojos unas veces figurativos otras veces simples sensaciones que se traducen en líneas y manchas de color.

Gianfranco Spada
Del 5 al 24 de abril
TRANSMUTATIONESGEOMETRICAE
Gianfranco Spada: obra pictórica 2005-2018
Nacido en Bari, Italia del sur, en 1972, Gianfranco Spada estudió arquitectura en Venecia y en La Cambre de Bruselas. Desde 2002 reside en Valencia, donde ha abierto su propio estudio de arte y arquitectura: Atelier Spada. Sus obras han sido expuestas en diferentes ocasiones y han sido reseñados en publicaciones nacionales e internacionales. Es fundador y director de Geometricae, Revista de Arte Abstracto Geométrico. La obra de Spada constituye una fase ulterior en este cambiar de estado, una nueva transmutación que vuelve a colocar estos edificios en el mundo abstracto de la pintura bidimensional sobre lienzo. Este pasar de un estado a otro va depurando las formas, eliminando lo superfluo y haciendo aflorar lo esencial mediante la supresión de las sombras proyectadas y de elementos superfluos, por ejemplo, y en esto consiste realmente la fuerza de estas pinturas. La obra pictórica de Spada se enmarca, por lo tanto, en la tradición del abstractismo geométrico de principios del siglo XX, que surge como respuesta al excesivo subjetivismo de los artistas plásticos de épocas anteriores y que quiere distanciarse de la mayoría de los movimientos anteriores que tratan de representar una realidad tridimensional puramente emocional.

Colectivo Las Artes
Del 5 al 24 de abril
Exposición anual del Colectivo Las Artes, compuesto por Maite Álvarez T, Mª José Cordera, Mar Díaz, Mar Leiva, Pilar los Arcos, Amparo Merino, Mª Jesús Merino y Dolores Pino Araque.
Este año La Música es la musa para este grupo de artistas, donde la emoción es el hilo conductor de esta fantástica muestra. ... la mente creadora y sensible del ser humano es capaz de plasmar en imágenes las sensaciones que le transmite la música... escucha mis pinceladas&.

COLECTIVO DE FOTÓGRAFOS  PROYECTO F9
Del 26 de abril al 15 de mayo

La Asociación Fotográfica Proyecto f/9 nos presenta esta divertida y a la vez compleja exposición, PAREIDOLIA. Fenómeno psicológico que consiste en poder percibir un rostro, figura humana o animal en cualquier sitio o lugar, ha sido el lietmotiv para desarrollar artísticamente esta muestra.
La pareidolia (derivada etimológicamente del griego eidolon (εἴδωλον): 'figura' o 'imagen' y el prefijo para (παρά): 'junto a' o 'adjunta') es un fenómeno psicológico donde un estímulo vago y aleatorio (habitualmente una imagen) es percibido erróneamente como una forma reconocible.

Noelia Acedo Benito
Del 26 de abril al 15 de mayo

Volví a nacer hace cinco años, no tiene nada que ver con los nacimientos normales, si no más bien un renacer como individuo, la creación de mi propio destino. Graduada por la Universidad Complutense de Madrid. Terminando mis estudios de Máster en Teoría y Crítica de la Cultura en la Universidad Carlos III de Madrid. Perteneciente al Colectivo Artístico CAS de Fuenlabrada. Pro-activa a tiempo completo incluso en sueños porque los más dulces se tienen cuando uno está despierto. Me siento realizada mientras tenga un proyecto entre manos. Trabajo las instalaciones, escultura, la performance, lo audiovisual, fotografía, diseño, recito poesía y además pinto y coloreo. TETHA [R] nace de la ironía más ácida que podía encontrar dentro de mí, de la reivindicación de lo serio desde el humor, la subversión y la agresividad, un maravilloso cóctel molotov que intenta molestar a todo un sector heteropatriarcal y misógino. Utilizar el arte como herramienta social y política es mi misión como artista''. NOELIA ACEDO BENITO

Isidoro Salas Fernández "El silencio de la mirada"
Del 26 de abril al 15 de mayo

"Isidoro Salas, a través de sus obras, nos introduce en una realidad carente de todo artificio. Su dominio del color, las armonías y de la composición, así como la sólo aparente simplicidad de su ejecución, dotan a sus obras de una fuerza expresiva que nos arrastra y nos hace compartir su visión de lo que nos rodea, fundiéndonos con ellas". Rafael Vega



Del 17 de Mayo al 5 de Junio 
Daniel Domingo Schweitzer
Borja Esteban Rey
Colectivo de Pintores MAGENTA

Del 7 al 26 de Junio 
Julien Rose
Tomás Roncero Fernández
COLECTIVO DE ARTISTAS DEL SUR  C.A.S


Del 28 de Junio al 22 de Julio 
Florentino Esteban Gálvez
Samuel Torres Ramírez
COLECTIVO DE ARTSITAS PK

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